TRANSLUX de A.DeLima @ Castelo de Lamego

SOL LEWITT. SUCCESSFUL ART CHANGES

Il contenuto di questa pagina richiede una nuova versione di Adobe Flash Player. SOL LEWITT. SUCCESSFUL ART CHANGES OUR UNDERSTANDING OF THE CONVENTIONS BY ALTERING OUR PERCEPTIONS1  Conversazione con Francesco Stocchi a cura di Barbara Garatti Dopo la mostra Pascali sciamano, che ha messo in luce la forza creativa sorgiva e le influenze tribali di uno degli artisti italiani più noti del secolo scorso, la Fondazione Carriero prosegue nella sua ricerca e rilettura critica della storia dell’arte contemporanea presentando Sol LeWitt. Con il supporto critico dell’Estate dell’artista, l’attenzione si focalizza su due aspetti fino ad ora poco esplorati: il rapporto con l’architettura e la valenza emotiva e passionale del suo lavoro. Per l’occasione il curatore Francesco Stocchi è in dialogo diretto con Rem Koolhaas, il quale interviene per la prima volta in veste di curatore d’arte contemporanea. Barbara Garatti: Può spiegarmi come si è articolato questo dialogo a tre tra lei, Rem Koolhaas e il lavoro di Sol LeWitt?Francesco Stocchi: La Fondazione, per sua mission, si propone di rileggere la storia dell’arte contemporanea, la sfida è quella di gettare nuovi sguardi su qualcosa che siamo abituati a categorizzare secondo un modello molto preciso. Inizialmente proposi all’Estate di rileggere il lavoro di Sol LeWitt attraverso la relazione che questo ebbe con la dimensione architettonica. L’Estate si occupa, tra le altre cose, di conservare e valorizzare l’iconicità della ricerca dell’artista. Una mostra come questa avrebbe potuto sembrare fuori dal loro ambito di interesse, invece la risposta fu positiva, anzi entusiastica. Grazie al lavoro a quattro mani con Rem Koolhaas, si è definito un obiettivo ambizioso: mostrare come il lavoro di Sol LeWitt è in grado di entrare in dialogo con i luoghi che lo ospitano, amplificando il coinvolgimento emotivo dello spettatore con lo spazio. Per lo più si pensa che le opere concettuali e minimali si fruiscano al meglio in un white cube, ma non è del tutto esatto. Adachiara Zevi in L’Italia nei wall drawings di Sol LeWitt (Electa, 2012) ha condotto uno studio approfondito su come l’artista rimase profondamente influenzato dagli spazi architettonici caratterizzati da una stratificazione storica. Negli anni Settanta LeWitt ha lavorato a Spoleto – trasferendo il suo studio vicino a Montelupo –, ed è proprio qui che ha realizzato alcuni dei wall drawings più poetici. Abbiamo quindi cercato di far uscire l’artista dalla gabbia razionale nella quale siamo abituati a vederlo. Il suo rigore nacque dal desiderio di contrapporsi alle esuberanze espressive dell’Action Painting, come un uomo vitruviano e imperfetto voleva trovare il suo spazio perfetto nel cerchio. Nonostante questa tensione ideale, Sol LeWitt rimane un artista profondamente emotivo e passionale. BG: Se ne trova traccia nella famosa lettera ad Eva Hesse del 14 aprile 1965, dove l’artista scrive: “Don’t worry about cool, make your own uncool. Make your own, your own world. If you fear, make it work for you – draw and paint your fear and anxiety”.Wall Drawing #123 A (1991, matita bianca, parete nera) fu dedicato proprio all’amica artista e in questa mostra è riproposto insieme a una ricostruzione a grandezza reale della porzione di edificio che l’ospitava. Si tratta di una scelta allestitiva forte che porta all’estremo il principio filologico su cui si basa la tradizione storiografica. L’impressione, entrando nella stanza, è di essere catapultati in una realtà altra: le proporzioni della ricostruzione creano un senso di tensione nello spazio limitato della sala. FS: Qui entra in gioco un altro elemento che caratterizza la mostra, ovvero il concetto di site specificity, termine molto usato che insieme a Koolhaas è stato possibile mettere in discussione, se non addirittura sovvertire. Mi spiego meglio: i wall drawing si permeano dello spazio che li ospita e Sol LeWitt aveva un’idea molto precisa di quali realizzare in base alle caratteristiche architettoniche. Abbiamo fatto in modo di evidenziare come queste opere nascano da un’indicazione di partenza e come nel processo esecutivo abbraccino il luogo scelto, risultando così sia specifici che universali. La Fondazione Carriero si trova all’interno di una casa privata del Quattrocento dove nel corso dei secoli sono stati effettuati degli interventi dei quali rimangono evidenti tracce. L’opera di Sol LeWitt e la sua capacità di manifestarsi sul crinale tra superficie e struttura tridimensionale, di essere al tempo stesso concettuale e architettonica, risulta essere il collante ideale tra queste differenze. L’idea di ricostruire il tempietto della Edison Lee Gallery dove quest’opera fu realizzata per la prima volta è ovviamente quanto di più distante dal concetto di site specificity – per come lo si intende abitualmente. L’architettura ripresentata nella sala della Fondazione assume una dimensione metafisica, la sua specificità è riportata a una realtà altra, quindi universale. Nella sala al primo piano, la più piccola dell’edificio, abbiamo scelto di esporre numerose strutture a muro, alterando completamente la percezione dello spazio e costringendo lo spettatore a riconsiderare la sua posizione all’interno di esso. BG: Ritrovo questa compressione di cui parla. Per paradosso si crea un senso di dilatazione dello spazio e le strutture sono disposte in modo tale da comporre quel paesaggio metafisico a cui accennava prima. Le linee ortogonali sembrano distorcersi verso un punto di fuga altro, accentuando una profondità che il luogo reale non ha. Qualcosa di simile accade nella sala all’ultimo piano, dove Wall Drawing #1104 (2003, pennarello a tempera nero su specchio) è realizzato su una grande specchiera che contemporaneamente dimezza e duplica lo spazio. FS: Quest’opera ridefinisce la stanza e la stessa superficie riflettente su cui è realizzata così come Wall Drawing #46 (1970, matita nera), che sale sulla parete del vano scale realizzato da Gae Aulenti, ridefinisce che cosa è un muro e attira l’attenzione su un elemento portante ma allo stesso tempo inosservato dell’architettura, facendo da collante tra i piani. Dialoga con la specificità del luogo ma allo stesso tempo definisce il concetto di antispecificità. Sol LeWitt, Between the Lines, 2017, veduta della mostra, Fondazione Carriero. Foto Agostino Osio. Courtesy Fondazione Carriero. Wall Drawing #1104: All combinations of lines in four directions.Lines do not have to be drawn straight (with a ruler), 2003. Pennarello nero su specchio. Disegnato la prima volta da Toon Verhoef. Prima installazione Edams Museum, Edam, NL, settembre 2003. Courtesy Estate of Sol LeWitt ; 8x8x1, 1989, alluminio smaltato a forno, 207,01 x 45,72 x 45,72 cm. Courtesy Julie e Edward J. Minskoff Collection. Sol LeWitt, Between the Lines, 2017, veduta della mostra, Fondazione Carriero. Foto Agostino Osio. Courtesy Fondazione Carriero. Wall Drawing #46: Vertical lines, not straight, not touching, uniformly dispersed with maximum density, covering the entire surface of the wall, 1970. Matita nera. Disegnato la prima volta da Sol LeWitt. Prima installazione Yvon Lambert, Paris, maggio 1970. LeWitt Collection, Chester, CT. Courtesy Estate of Sol LeWitt. BG: L’opera di Sol LeWitt accorda la spinta ideale da cui si genera con le peculiarità di superficie e struttura del luogo – come risulta perfettamente intelligibile ­­–, ciò che è inaspettatamente lontano da quel rigore formale che si è abituati associare all’artista sono le tracce emotive che vi rimangono o che si generano. La mostra porta diversi esempi di questa felice coesistenza, sia dal punto di vista della formalizzazione delle opere scelte sia per quanto riguarda l’allestimento complessivo. In Wall Structure Black (1962, olio su tela e legno dipinto) tra le superfici in legno e il supporto di tela si possono osservare evidenti masse di pittura ad olio; Structure with Standing Figure (1963, legno dipinto, fotografie in bianco e nero, lampadina, cavo elettrico) si può intendere come una metafora contemporanea dell’uomo vitruviano. Sol LeWitt, Between the Lines, 2017, veduta della mostra, Fondazione Carriero. Foto Agostino Osio. Courtesy Fondazione Carriero. Wall Structure Black, 1962. Olio su tela e legno dipinto, 99,1x99,1x59,7 cm. Courtesy Estate of Sol LeWitt e Pace Gallery. Sol LeWitt, Between the Lines, 2017, veduta della mostra, Fondazione Carriero. Foto Agostino Osio. Courtesy Fondazione Carriero. Structure with Standing Figure, 1963. Legno dipinto, fotografie in bianco e nero, lampadina, cavo elettrico, 71,12x30,48x30,48 cm. Courtesy LeWitt Collection, Chester, CT; Geometric Figure #9 (+), 1977, Legno dipinto di bianco, 151x151x3 cm. Courtesy LeWitt Collection, Chester, CT. Negli anni successivi Sol LeWitt sviluppa e trasferisce l’emotività sul fruitore: in Wall Drawing #1267(2007, scarabocchi, grafite) il segno perde per la prima volta il rigore lineare, mentre la stratificazione incessante della grafite arriva a completa saturazione e la superficie curva rimodella lo spazio architettonico. Il wall drawing incombe sullo spettatore: una presenza carica di gestualità controllata e liberatoria al tempo stesso. Complex Form #34 (1990, legno dipinto di bianco) è illuminata da una luce rosa: una scelta dei due curatori che ne evidenzia la tensione non più ortogonale, ma asimmetricamente estroflessa. Le fa da contraltare un monolitico poligono irregolare ideato da Rem Koolhaas come supporto di Wall Drawing #150 (1970, matita nera). Sol LeWitt, Between the Lines, 2017, veduta della mostra, Fondazione Carriero. Foto Agostino Osio. Courtesy Fondazione Carriero. Complex Form #34, 1990. Legno dipinto di bianco, 127 x 88,9 x 50,8 cm. Courtesy Estate Franz West. Sol LeWitt, Between the Lines, 2017, veduta della mostra, Fondazione Carriero. Foto Agostino Osio. Courtesy Fondazione Carriero. Wall Drawing #150: Ten thousand one-inch (2.5cm) lines evenly spaced on each of six walls, 1972. Matita nera. Disegnato la prima volta da Sadayuki Kato, Kazuko Miyamoto, Ryo Watanabe. Prima installazione Finch College, New York, ottobre 1972. Courtesy Collezione Panza, Mendrisio; Wall Drawing #51: All architectural points connected by straight lines, 1970. Linee di gesso blu. Disegnato la prima volta da Pietro Giacchi, Andrea Giamasso, Giulio Mosca. Prima installazione Galleria Sperone, Torino, giugno 1970. LeWitt Collection, Chester, CT. Courtesy Estate of Sol LeWitt. Un oggetto al limite tra scultura e architettura le cui facce di diverse dimensioni evidenziano la peculiarità del wall drawing – composto sempre da 10.000 linee – ripetuto su ogni superficie, più dilatato sulle più ampie e condensato sulle più piccole. La possibilità di osservare lo stesso lavoro applicato in diverse condizioni di superficie esalta l’armonia tra il rigore concettuale, le infinite possibilità di sviluppo dell’opera e la dimensione spaziale e architettonica. NOTE 1. Sol Le Witt, Paragraphs on Conceptual Art, in “Artforum”, V/10, Summer 1967. TOP   Il contenuto di questa pagina richiede una nuova versione di Adobe Flash Player.

Evelina Severin Has a Way With Colour

Interior Architect Tekla Evelina Severin Has a Way With Colour

ART & PHOTOGRAPHYCULTURE TALKS

© Tekla Evelina Severin

The Swedish photographer and designer shares some of her tips for creating spaces you’ll want to be in

MAY 10, 2018

TEXTAna Kinsella

Still lifes, pink walls, the perfect balance of light and shade. Is there a formula for Instagram success? According to Tekla Evelina Severin, it’s more about finding what comes naturally. 

“I’m always researching interesting architecture and interiors to shoot,” says the Swedish photographer, interior architect and set designer. “And what’s interesting changes with time – the aim is to move forward. But sometimes I could just happen to stumble on a great-looking detail in an ugly-looking back street. I’m not searching for concrete things, like the colour pink or arc shapes. I just know it when I see it. Like a gut feeling.”

18Tekla Evelina Severin

Severin trained as an interior architect before taking to Instagram to express her frustration with the dominance of bland beige and grey tones in the interiors around her. Since 2012 her page @teklan has been a paean to colour, lines and shape, in both the natural and the built environment. Abstract images, still lifes, sunsets and wallpaper compete for attention in a grid that readily reminds the viewer of the sheer joy of colour. In an overstimulating world, it’s a celebration of the purity of pigment and contrast. Recent commissions have seen her shoot for Air France, Urban Outfitters and The Gourmand.

Severin speaks to AnOther about how Instagram, colour, and the long Swedish winter have all influenced her work.

© Tekla Evelina Severin

On the relationship between interior architecture and her photography…“I wouldn’t take the photos I do if I weren’t used to working as an interior architect and to drawing angles and perspectives in different 2D and 3D programs. However strange it may seem, I actually feel closer to architecture as an photographer than as an interior architect, since I can choose to shoot a particular angle or detail to highlight what I feel to be the essence of the architecture. But architecture isn’t photography, and photography isn’t architecture. I have the biggest respect for the complexity of designing spaces: I know how difficult it is to create a good ‘wholeness’, while also always working with compromises. Time, budget, clients’ requests, the premises of the site and so on.”

On the pervasive influence of Instagram and its trends…“Instagram has a huge effect on how I work and even why I work like this; it’s actually the reason why I can work as a freelance photographer instead of working solely full-time as an interior architect. Though I’m not saying one is more noble than the other.

“I definitely think my work is a part of those Instagram trends – abstract still lifes, or certain colours – even if I want to believe I’m not that generic... But seriously, it is hard to distinguish yourself and your Instagram work from Instagram itself, and hard to see it objectively.

“What I have noticed that feels restricting sometimes – even if I try to not pay notice – is that people just want you to post the exact same thing. Like if I post a few façades in a row, people start to expect that and they get disappointed when I post a self-portrait or a still life or an interior, and vice versa. I think I would be more successful if I just stuck to one thing [on Instagram]. That doesn’t interest me at all, though. I think these Instagram trends are kind of sad; the time and effort people put into it, time spent not being present. And also everything starts to really look alike, and there are so many copycats out there!”

© Tekla Evelina Severin

On surprising colour combinations…“I don’t think there are any rules at all. I’m always searching for new and interesting combinations. My latest find is some kind of hazelnut brown and lavender-ice blue, combined together. Pink and red will always be my favourite. I have a hard time with hard contrasts, like black and red or yellow and black, but on the other hand black isn’t really a colour and you should never say never! I never thought I would find brown and yellow beautiful together – I thought it was too 1970s and overdone – but I did it here... Probably because the 70s are trendy again, I guess.”

On living and working in Stockholm…“Most of my clients aren’t Stockholm-based. I don’t know if it is because ‘it’s hard to be the Pope of your hometown’, as the Swedish expression goes, or if it’s because I’m more colourful than the common Scandinavian style. I’m not a super fan of either the atmosphere – which is a bit uptight – or most of the motifs of the Stockholm city and its interior – mostly sand colours and grey, even if it’s a very nice and beautiful city itself. With that said I have a great network here, and that’s probably why I’m still based here.

“[Do the dark Swedish winters have an influence on my relationship with colour?] Definitely. If I lived in LA I probably wouldn’t be this obsessed at all. But more than that, my use of colour is informed by a reaction against working with mainly beiges for rich people as an interior architect. I started using Instagram as my own creative space, exploring unwanted materials, such as pink plexiglass, et cetera…

“I think my obsession about colour is about distinguishing and clarifying things and objects. In the same way you use colours to distinguish different subway lines, or how warning signs are yellow or red. I think the reason is probably psychological: being a controlling person, I also like to control and clarify my surroundings. But maybe it’s also physiological, because my eyesight is so bad. Maybe that is also the reason why it’s so important to me to capture things at all: the preciousness of being able to see.”

© Tekla Evelina Severin

For more information on Tekla Evelina Severin’s work, see her website. 

ART & PHOTOGRAPHYCULTURE TALKSCOLOUR

If You Plan to Renovate, Don't Forget This

https://www.architecturaldigest.com/story/renovation-donate-used-appliances-fixtures

WAIT THAT'S GENIUS

Posted November 29, 2018

If You Plan to Renovate, Don't Forget This Super Important Step

What are you doing with all the stuff you're ripping out on a demo day?

TEXT BY

Lindsey Mather

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Photo: Getty Images / Illustration: Wesley Johnson

One fact in Houzz's new 2018 U.S. Bathroom Trends Study really got us thinking: "Compared with previous years, today’s master bathroom renovations are less likely to be motivated by pent-up demand and are more likely to be the result of a recent home purchase," says the study. "This probably explains why homeowners are increasingly more likely to tackle “newer” bathrooms (i.e., those updated within the past 10 years) compared with 2016 (15 percent versus 11percent, respectively)." Essentially, in two years, there's been a sizable four percent jump in renovations of bathrooms that we'd guess are in fine working order but aren't up to the new owners' style standards. We're starting to remodeling more because we want to, not just because we need to.

This is a totally understandable, perfectly fine course of action. Life is short; you shouldn't stare at a bathroom (or any other room, for that matter) every day that you hate. By all means, renovate! But when demo day rolls around, there is one thing you should do: donate all the usable-but-just-not-you fixtures and finishes to Habitat for Humanityor your local salvage store. "Donating your renovation materials keeps functional—and often desirable—items out of the landfill," writes Habitat for Humanity's website. "Other renovators get the materials they need for their projects, and you get to help others while getting rid of your trash."

For the specifics of what you can give away, turn to Habitat for Humanity's handy list. Major components like appliances and bathtubs are on there, of course, but don't overlook old tile, lumber, lighting, and even doorknobs and handles either. (What is donate-able will depend on the item's quality and the needs of the store.)

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A Look Inside Target's Newest Furniture Line

Admittedly, reducing our ecological footprint is an overwhelming task, especially after the United Nations panel reported climate change is worse than we thought. This is how we choose to look at it: Donating the stuff you don't want during your renovation is a very small step in the right direction, but it's still a step. Why not take it?

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